Mezinárodní hudební festival Dobršská brána 2020

 

Název: Mezinárodní hudební festival Dobršská brána 2020

 

Termín a místo konání :  14. a 15. srpna 2020, Dobrš

                                                                               

Detailní popis:

 

Provozováním hlavní části areálu zámku a tvrze v Dobrši Sdružení pro obnovu Dobrše (dále jen sdružení) již od r. 1996 kontinuálně obnovuje jeho společenskou funkci s cílem soužití lidí různých zájmů, věku, vzdělání i přesvědčení se zaměřením na uměleckou činnost, setkávání, výuku, poznávání, společnou zábavu a alternativní kulturu regionu Podlesí, Prácheňska a JČ kraje. Pořádáním pravidelních výstav, koncertů a workshopů v galerii CoCo propaguje a navazuje na kulturní hlubokou tradici místa a znovu zapojení historických památek obce do jejího společenského života. Program výstav a kulturních akcí vzestupnou tendencí rozšiřuje okruh příznivců a návštěvníků a postupně navazuje i partnerství a družby s jinými obdobně společensko-kulturními spolky nejen z regionu, ale s dosahem po celé ČR.

 

Festival Dobršská brána ve svém 4. ročníku opět nabídne osvěžující vhled do světa soudobé hudby bez dramaturgických kompromisů a formálního žánrového zařazení interpretů. Ti ve tvorbě, kterou představí, volně přechází mezi žánry a kombinují prvky lidové hudby s jazzem a komorní hudbou. Tomu odpovídá i konkrétní dramaturgie festivalu a jeho motto "Brána do světa hudby".

Jednotlivé koncerty festivalu se uskuteční na různých místech Dobrše. Většina vystoupení se uskuteční v areálu tvrze a zámku, jiná u kaple sv. Jana a Pavla.  Komorní koncerty jsou předpokládány v kostele Zvěstování Panny Marie.

Posluchači i hudebníci z celého světa se tak seznámí s Dobrší a jejími památkami vč. významných sakrálních zblízka.

Festival navazuje a zapadá do celosvětového trendu hledání nových souvislostí mezi tradiční, klasickou a soudobou hudbou a vytváří tak svým charakterem jedinečnou hudební událost, která by na české hudební scéně těžko našla srovnání. Festival současně dává nový impulz k setkávání světových hudebníků a českého publika na místě pro mnohé návštěvníky netradičním, přesto s dlouhou tradicí a to také hudební, přesto však mimo tradiční české metropole. Důkazem skutečnosti, že zaměření festivalu bylo vykročení tím správným směrem je úspěch předchozích tří ročníků, podpořený hudebními ohlasy ze strany publika a recenzemi hudebních kritiků, na kterém se v průběhu dvou dnů posluchačům představili interpreti z Norska, Nizozemska, Japonska, Německa, Anglie, Španělska, Senegalu, Maďarska, Francie a ČR. Proběhla tak akce se

vskutku evropským přesahem.

 

Jednotícím prvkem čtvrtého ročníku festivalu je tentokrát nástroj „harmonika“ a sice akordeon a harmonika foukací. Ty uslyšíme v různých kombinacích, ve volné improvizaci. Zazní tak jazz různorodý, ve všech podobách a barvách, i lidové písně, skladby, komponované na odkazu národního folkloru i kompozice určené přímo pro ty které konkrétní interprety nebo interpretky.

Známí čeští či zahraniční muzikanti a uskupení se představí ve skladbách s historickým původem, ale také ve skladbách, pracující s improvizací a národními lidovými písněmi (např. Finsko, Francie, Anglie, USA, Kolumbie, Itálie, Švýcarsko, ČR), prostor dostanou představení improvizace, intonace a celkové hudební pohotovosti. Bude znít hudba staré i zcela současné, aktuální, vznikající právě v okamžiku vystoupení.

 

 

 

YVONNICK PRENE WORSKHOP ^{/ USA, FRA}

15. SRPEN | ZÁMEK

 

YVONNICK PRENE QUARTET ^{/ USA, FRA}

14. SRPEN | KOSTEL

Přední jazzoví hudebníci z newyorského Manhattanu v mladém kvartetu představují nový projekt „Repirer“. Yvonick Prené je pedagog, zakladatel New York Harmonica School, Harmonica Studio, je též kapelníkem Yvonnick Prene Quartet a Padam Swing. Scott Tixier je oceňovaný francouzský jazzový houslista, držitel ocenění Grammy a vítěz Downbeat Critic Poll v roce 2018. Kytarista a skladatel Michael Valeanu je jedním z nejzajímavějších hráčů své generace. Basista Clovis Nicolas je uváděn na více než třiceti kritiky uznávaných nahrávkách, včetně Belmondova „Hymne au Soleil“, která v roce 2004 získala tři ceny Grammy.

 

Když v roce 2007 přišel Yvonnick Prené do New Yorku, myslel si, že ví něco o jazzu. Koneckonců, už studoval na Sorbonně, pařížské legendární univerzitě, a přestože zde dokončuje M.A, získal stipendia pro studium na Columbia University, City College v New Yorku a na New School. "Ale když studujete jazz v Paříži, není to stejné jako studovat jazz v New Yorku," říká jen s náznakem podhodnocení. "Pokud nejste v prostředí, kde je jazz všude kolem vás, je to obtížnější." Myslel jsem, že jsem už trochu uměl, a pak jsem potkal několik skvělých lidí, kteří mi ukázali, že musím ještě více pracovat. “

Jak uslyšíte, skutečně více pracoval.

Jakmile se dozvíte o skromných začátcích jeho hudební kariéry na Sorbonně, stává se stoupající křivka Préneho pokroku působivější. Vyrůstal na pařížském předměstí Massy, byl hodně času sám - oba jeho rodiče pracovali do pozdních hodin - a tak trávil čas posloucháním bluesových a jazzových nahrávek, které jeho otec koupil. Tou dobou našel rozbitou starou diatonickou harmoniku (prototypovou bluesovou foukací harmoniku) ležící nedaleko domu a začal do ní foukat bez jakéhokoli smyslu pro její historii nebo účel.

Nakonec vytvořil spojení mezi zvuky, které slyšel na deskách, a nástrojem, který měl v ruce. Když mu přítel jeho otce koupil nástroj ve správném provozním pořádku, Prené začal vážně studovat harmoniku a ponořil se do blues - dost pro to, aby ho jeho otec přivedl na pařížské představení Jean-Jacquese Milteaua, snad nejlepšího bluesového hráče na foukací harmoniku, který kdy vzešel z Francie. Prené se dozvěděl, že Milteau a Greg Zlap v týdnu učí bluesovou harmoniku a okamžitě se do hodin zapsal. Než dosáhl svých-náctin, navštěvoval bluesové tábory, zdánlivě připravený následovat Milteauovy kroky.

"Ale pak jsem poslouchal hodně jazzu," vypráví Prené. "Poslouchal jsem Charlieho Parkera, když mi bylo 14; Nerozuměl jsem ničemu, co se děje v té hudbě, ale z nějakého důvodu jsem věděl, že na to musím přijít. “Hraní bebopu na diatonické harmonice však představuje téměř nepřekonatelný problém: chybí plátky pro křížka a béčka, nástroj se nehodí ke zvýšenému chromatismu, který do něj dali bebopperi. Prené vyhledal nahrávky Howarda Levyho, chicagského umělce, který vymyslel způsob, jak vyloudit křížkové tóny na diatonické harmonice; Levy, známý jako člen Bela Fleck and the Fleck-Tones, dokázal zvládnout tónu bopu jako trumpetista nebo saxofonista. Prené pak hledal literaturu o tom, jak hrát skutečný jazz na bluesové harmonice; navštívil několik lekcí Sebastiana Charliera, kterého sám ovlivnil Levy. Než mu bylo 17, hrál profesionálně v pařížských klubech.

Brzy však, jak vzpomíná: „ ...strávil jsem více času snahou přizpůsobit diatonickou harmoniku, než výukou hudby.“ Takže o několik let později, stejně jako každý jiný hráč harmoniky v jazzové historii, se Prené přesunul do chromatické harmoniky, nástroje, které má plnou chromatickou stupnici. A stejně jako každý jiný hráč na chromatické harmonice ho přitahovalo dílo Toots Thielemans, jehož zvučný tón a virtuosní melodičnost získaly tomuto nástroji bezprecedentní respekt mezi posluchači jazzu.

Zprvu připouští: „Nelíbil se mi zvuku chromatické harmoniky. Je to příliš čisté “- nepřekvapivé hodnocení od někoho ponořeného v blues s drsnějším kvílením diatonické harmoniky. Chromatika mu však umožnila tvořit tóny, které chtěl hrát, a čím více ji studoval, tím více se blížil kýženému zvuku. Začal Thielemansovou Signature harmonikou, Hohnerovou  Toots Mellow Tone, která má 12 děr a pokrývá tři oktávy; poté se přesunul k mírně většímu 14-ti jamkovému modelu, „a nyní používám 16-ti jamkovou harmoniku, Hohner Super 64x“, která obsahuje plnou čtvrtou oktávu pod rozsahem standardního nástroje.

Od svého přesunu do New Yorku ze své rodné Paříže se stal skladatel a pedagog Yvonnick Prené jednou z vynořujících se hvězd harmonikářského světa. Natáčel s předními jazzovými umělci jako Scott Tixier, Pasquale Grasso, Peter Bernstein a cestoval po USA, Evropě a Africe.

Vystupoval a nahrával s celou řadou umělců, včetně Donalda Browna, Klingande, Romeo Santose, Petera Bernsteina, Scotta Tixiera, Gene Bertonciniho, Riche Perryho, Steva Cardenase, Jona Cowherda, Vic Jurisa, Nate Smithe, Ira Colemana, Luquese Curtisa , Erica Lewise, Justina Browna, Lorina Cohena, Avi Rothebarda, Jared Gold, Anthony Wonseye, Clovise Nicholase, Laurenta Cugnyho, Alexandrea Tasseal, Ryan Cohan, Victora Provosta a dalších.

Prené hrál v předních jazzových klubech v New Yorku, včetně Blue Note, Iridium, Dizzy's Club, Birdland, Jazz Gallery a Smalls. Rovněž koncertoval po celém světě a uvedl se nal nejvýznamnějších jazzových festivalech, jako je Bern Jazz Festival (Švýcarsko), Festival Emoi du Jazz (Pobřeží slonoviny), Lamentin Jazz Festival (Martinik), SPAH Harmonica Fest 2019 (Tulsa), Hyde Park Jazz Festival (Chicago) a Jazz Sur Seine Festival (Paříž).

Je zakladatelem New York Harmonica School, Harmonica Studio, autorem několika knih a kapelníkem Yvonnick Prene Quartet a Padam Swing. V současné době žije na Manhattanu v New Yorku.

 

« Yvonnick Prene je bezpochyby zručný a talentovaný, ale je to jeho hloubka, která vábí do hlubin I posluchače. Není divu, že je tak v kurzu. / JazzTimes

« Virtuózní hráč na harmoniku. /  Down Beat

« Nejkrásnější hudba, jakou jsem kdy slyšel na harmoniku. /  Lee Konitz

« Ten chlap je fenomenální ... Jaký "hlas"! / Benny Golson

« Vycházející hvězda! /  Dan Bilansky, All About Jazz

 

 

Scott Tixier je oceňovaný francouzský jazzový houslista, držitel ocenění GRAMMY a vítěz roku Downbeat Critic Poll v roce 2018. Vystupoval, nahrával a koncertoval s jazzovými legendami a hudebními ikonami jako Stevie Wonder, Kenny Barron, Elton John, Pink Floyd, Ed Sheeran, Cassandra Wilson, Coldplay, Chris Potter, John Legend, Christina Aguilera, Natalie Cole, Anthony Braxton, Ariana Grande a mnoho dalších. Kromě účinkování v rámci I mimo  jazzový svět je Tixier známý skre práci na filmových partiturách, jako jsou Lion King, John Wick, Charlieho andílci a na televizních pořadech, např. The Nightight Show s Jimmy Fallonem na NBC, The Late Show s Stephenem Colbertem, spolupracoval na pořadu Davida Lettermana, na The Late night Sethema Meyerse, America´s Got Talent  a pro Netflix na novém filmu Spikea Leea ve spolupráci se skladatelem Terence Blanchardem (vyjde v roce 2020).

Tixier studoval klasické housle na konzervatoři v Paříži. Následně studoval jako samouk jazzovou improvizaci. Více než deset let působil v New Yorku, vystupoval na všech významných místech v USA, včetně Carnegie Hall, Music City Hall, Madison Square Garden, Barclays Center, Jazz v Lincoln Center, Blue Note Jazz Club, Apollo Theater, Smalls Jazz Club, The Stone a Kapitolu spojených států.

Grammy oceněný hráč na basu Marcus Miller říká: "Tixier si udělal mezinárodní jméno. Slyšel jsem ho ve Francii a byl jste okamžitě zasažen jeho individualitu a jeho zvukem" Kytarista Pat Metheny říká: "Scott si našel místo mezi elitní komunitou newyorských jazzových hudebníků, to není malý úspěch." Jean-Luc Ponty říká: „Slyšel jsem Scottovy nahrávky, viděl jsem jeho živá vystoupení a myslím, že stojí nad davem současné jazzových houslistů po celém světě. “

V srpnu 2018 se připojil k UNT College of Music jako asistent profesora houslí (Jazz / Populární / Alternativní styly) a ředitele kapely Jazz String Lab. První jazzový studijní program v USA, který nabízí doktorandské stadium v oboru jazzu.

 

« Jeden z mimořádných talentů vaší generace, Tixier se proslavil jako houslista - skladatel  s velkými ambicemi, individualitou a tahem na branku…. / Downbeat Magazine

 « Budoucnost jazzových houslí. / Downbeat Magazine

« Pozoruhodný improvizátor a šikovný jazzový skladatel. / NPR.

« Bere jazzový svět útokem. / All about jazz Journal.

« Pan Tixier je houslista, jehož zvuková paleta, stejně jako oblast jeho zájmů, je otevřená a široká. / The New York Times

« Tixier má pozoruhodný zvuk a používá ho s úctyhodným napětím. / Jazz Times

 

New Yorský kytarista a skladatel Michael Valeanu se narodil v Paříži v roce 1985 a je jedním z nejzajímavějších hráčů své generace. Jeho vášeň pro jazz a pro všechny ostatní hudební žánry, se kterými se setkal, když vyrůstal jako hudebník ve Francii a ve Spojených státech, mu umožnila vytvořit na jeho nástroji charakteristický zvuk.

Michael začal studovat kytaru, když mu bylo 14 let, ale hudba ho vždy obklopovala. Vzpomíná si na hraní si s tátovou kytarou, jakmile se byl schopen stát na nohou. „Můj táta je milovník hudby a amatérský kytarista. Když jsem byl v lůně, hrál na kytaru maminčina bříška. Předal mi lásku k tomuto nástroji a seznámil mě se spoustou jiné hudby, bez ohledu na její styl. “

V Paříži studoval Konzervatoř Nadi a Lili Boulanger a Edim / Národní hudební školu v Bourg-la-Reine. Během těch let se mladý kytarista snažil vytěžit maximum z toho, co mu mohla Paříž hudebně nabídnout. Na pařížské hudební scéně se stal velmi rychle aktivním jako doprovodný hráč a pravidelně byl najímán pro studiové nahrávky. V té době také začal hrát a poslouchat hudbu ze severní a západní Afriky, z Brazílie a dokonce studoval klasickou kytaru. „Byl jsem posedlý něčím novým, co jsem nedokázal udělat ani tomu nerozumněl.“

 V roce 2008, aby uhasil svou žízeň po hudbě a naučil se „pravý Jazz“, přestěhoval se do New Yorku a navštěvoval New School for Jazz and Contemporary Music. "Nakonec jsem byl schopen studovat a hrát si se svými hrdiny a byl jsem obklopen mladými talentovanými hudebníky." V roce 2010 byl vybrán k účasti na programu Betty Carter Jazz Ahead Program na dvoutýdenní rezidenci v Kennedy Center ve Washingtonu DC. V roce 2015 byl v mezinárodní jazzové kytarové soutěži Wes Montgomery jmenován druhým finalistou.

Od té doby hrál Michael v newyorských jazzových klubech, jako jsou Small's, Jazz Standard, Birdland, Smoke a v klubech a festivalech v USA, v Evropě a Japonsku.

Basista a skladatel Clovis Nicolas, pocházející z Provence na jihu Francie, se na konci 90. let rychle etabloval v Paříži jako zpěvák (vystoupoval s Bradem Mehldauem, Dee Dee Bridgewaterem, Michelem Legrandem, Ernie Wattsovou). V novém tisíciletí se přestěhoval do New Yorku a pokračoval ve svých nezávislých aktivitách na americké scéně. V roce 2009 nastoupil do Juilliard School of Arts Program a po třech letech absolvoval bakaláře a magistra hudby, studoval u basisty Ron Cartera a klasického skladatele Kendalla Briggse.

Během své kariéry Clovis vystupoval a nahrával na mnoha místech s některými z dnešních nejvýznamnějších jazzových hudebníků, jako jsou Branford Marsalis, Curtis Fuller, Herbie Hancock, Hubert Laws, Grant Stewart, Harry Allen, Russell Malone, Mulgrew Miller, Lewis Nash, Benny Powell, James Williams, Peter Bernstein, Joe Magnarelli, Sacha Perry, Sachal Vasandani, Simon Shaheen, Carl Allen, Jane Monheit, Dan Nimmer, Bruce Harris, Freddie Redd, Benny Golson, Marcus Gilmore, Rodney Green, Walt Weiskopf a další.

Clovis je uváděn na více než třiceti kritiky uznávaných nahrávkách, včetně Belmondova „Hymne au Soleil“, která v roce 2004 získala tři ceny Grammy; mezioborového projektu Samoryho Pinderhughese „The Transformations Suite“; „Začátků“; Bruce Harrise; "Walk of Fire" Behna Gilleceho; skladbu „All my Life“ Laurenta Courthaliaca vybrala Francouzská jazzová akademie „Albem roku 2016“.

Kromě toho vydal Clovis s kapelou dvě nahrávky pro Sunnyside Records. Jeho debutové album „Nine Stories“ získalo v mezinárodním tisku skvělé recenze, včetně výběru v „Best Albums of the Year“ od časopisu DownBeat Magazine v roce 2014. Jeho album „Freedom Suite Ensuite“, vydané v roce 2018, představující bubeníka Kennyho Washingtona, získalo titul CHOC (ekvivalent 5 hvězdiček) v Jazz Magazine, nejlepší francouzské jazzové publikaci.

 

« Úžasný chodec s velkým rezonančním zvukem. / DownBeat Magazine

« Jeden z mála basistů, kteří v moderním jazzu za něco stojí. Clovis Nicolas se připojil k řadám těch inovativních a inspirovaných umělců, kteří zůstávají jednou nohou v minulosti, ale oběma očima se dívají do budoucnosti. /  Bop-N-Jazz

« Jeden z našich současných basových hrdinů. / Telerama

«Od pana Nicolase uslyšíte promyšlené basové linky, které podněcují jít kapelu směrem, kterým on chce jít… . Velmi, velmi dobrý basový zvuk. / Ron Carter - basista

« Je mezi těmito hudebníky, kteří vědí, jak v sobě odhalit vůdčí vlastnosti prostřednictvím rytmu a muzikanty. / Jazzový časopis

 

Yvonnick Prené, foukací harmonika

Scott Tixier, housle

Michael Valeanu, kytara

Clovis Nicolas, kontrabas

 

 

VESNA CÁCERES ^{/ CZE}

14. SRPEN | KOSTEL

 

Vesna Cáceres je česká hudební skladatelka, zpěvačka a akordeonistka.

Narodila se v Chorvatsku v česko-slovinské rodině. Od roku 1990 žije v Praze.

Vystudovala akordeon v Chorvatsku. V roce 1990 přišla studovat muzikologii na Karlovu univerzitu do Prahy. Kromě muzikologie vystudovala zpěv na Konzervatoři Jaroslava Ježka, zpívala ve vokálním sextetu Prestissimo s jazzovým Big Bandem Radia Praha, v roce 1993 reprezentovala Českou republiku ve světovém sboru World Youth Choir.

V roce 1996 založila společně s mexickým kytaristou Pablem Ortizem skupinu Anima Band. S Animou vystupovala v klubech, na koncertech a festivalech v České republice i v zahraničí, s repertoárem, který zahrnoval originální úpravy brazilské, latinskoamerické a také vlastní skladby. Čtyři roky moderovala česko-španělský program Contacto Latino na Radiu 1.

Od konce devadesátých let rozšířila svůj repertoár o jazzové standardy a vlastní jazzové skladby. S repertoárem „swing & bossa“ vystupuje v jazzových klubech v České republice i v zahraničí. Od roku 2004 zahájila sólovou kariéru v žánru šansonu s písničkami k textům francouzských a českých básníků, stejně jako vlastními skladbami, doprovázejíc se na akordeon. Od roku 2000 se podílí na různých divadelních projektech, píše a hraje hudbu pro divadelní představení.

Na festivalu představí autorským projektem “Le bal des fleurs” (bál květin) a vybranými šansonovými písněmi z divadelní tvorby. Balet “Le bal des fleurs” jesou kompozice inspirováné francouzskou tradici valse musette a barevný zvuk akordeónových rejstříků propojí hudbu, tanec a výtvarné umění. 

 

 

Vesna Cáceres, akordeon, zpěv

Jana Bezpalcová, druhý akordeon

Jaroslav Friedl, kytara

 

Baletní škola Pirueta, taneční choreografie

Markéta Laštůvková, obrazy a video

 

MAREŠOVÁ  YASINSKI / RAZAM ^{/CZ, BLR}

14. SRPEN | ZÁMEK

 

Worldmusic se silnými slovanskými kořeny, ve které se potkávají hudebníci z Čech, Běloruska a Ruska.

Původně působili jako trio Marešová Yasinski Vašíček a v této sestavě vydali v roce 2016 úspěšné album „Kéž bouře by přišla“. Později začali spolupracovat s ruským violistou Iliou Chernoklinovem a bubeníkem Radkem Doležalem. Jejich autorské písně jsou postaveny především na zvuku akordeonu fenomenálního běloruského akordeonisty Aliaksandra Yasinského a výrazném projevu zpěvačky Ivy Marešové. Marešová a Yasinski vystupují v současnosti jednak jako samostatné duo, ale mnohem častěji je můžete vidět a slyšet i s dalšími výše jmenovanými hudebníky. Nově začali právě pro seskupení, ve kterém se potkávají i s dalšími muzikanty, používat název RAZAM, což v běloruštině znamená dohromady, společně. Jejich koncerty tak získávají na pestrosti, neboť veškerý svůj repertoár mají zaranžovaný pro různá nástrojová obsazení. Texty písní jsou převážně české, ale používají i běloruštinu, nebo makedonštinu. Marešová Yasinski RAZAM momentálně pracují ve studiu na dalším autorském albu. Kromě toho, že se všichni jmenovaní věnují své vlastní společné tvorbě, spolupracují též s dalšími známými hudebními osobnostmi napříč všemi žánry a kulturami. Jejich živé koncerty patří k velkým hudebním zážitkům, které se diváků dotýkají svou syrovostí, autenticitou a v neposlední řadě i výborným zvukem zvukaře Petra Janečka. Aliaksandr Yasinski zaranžoval též program pro Marešová Yasinski RAZAM a symfonický orchestr.  Ukázky z jejich živých vystoupení a oficiální videoklipy můžete shlédnout v následujících odkazech.

 

Aliaksandr Yasinski  vystudoval konzervatoř v Minsku a poté Pražskou konzervatoř. Žije a pracuje v České republice. Hraje na knoflíkový akordeon (bajan) s mezinárodním úspěchem. Vystupuje sólově i jako účastník různých projektů nejen v Evropě.

V 2007 se účastnil mezinárodním festivalu Yesou Expo v Yeosu v Jižní Koreji. Hrál sólově se Státním komorním orchestrem Běloruska, komorním orchestrem Gradus Ad Parnasum Běloruské státní akademie hudby, s orchestrem lidových nástrojů běloruské Academy of Music Talihavay, s komorní filharmonií v Praze, filharmonií v Hradci Králové či Státním komorním orchestrem v Žilině.

Kromě širokého repertoáru hudby pro bajan (klasické, jazzové, argentinského tanga, francouzského šansonu) je také autorem a interpretem vlastních písní. Byl účastníkem bělorusko-švédského souboru volné improvizace Morph, se kterým koncertoval v Bělorusku a Švédsku. Spolupracuje s mnoha českými hudebníky, např. zpěvačkou Radkou Fišarovou, Ivou Marešovou a skupinami Jelen či Gare. Je rovněž zakládajícím členem mezinárodního projektu Shum Davar, hrajícího fúzi lidových písní a míchajícího tak hudební prvky klezmeru, romské, východoslovanské, balkánské a kavkazské hudby. Je autorem hudby pro dokumentární cyklus Země géniů a filmů První světová válka v produkci filmové společnosti New Wave Production.

 

Iva Marešová je česká zpěvačka, herečka a textařka. Působí ve svém mezinárodním autorském projektu „Marešová Yasinski RAZAM“ s běloruským akordeonistou Aliaksandrem Yasinskim, kytaristou Michaelem Vašíčkem, ruským violistou Iljou Chernoklinovem a bubeníkem Radkem Doležalem. Zpívá ve skupině Precedens. V minulosti byla frontmankou skupiny Deset očí (zpěv, kytara), se kterou v roce 2002 vydala album. Poté založila skupinu 999, s níž 28. října 2008 pokřtila album Na křídlech koní. Dne 17. ledna 2009 získala se svou kapelou 999 hudební cenu Tais©Award 2009 v kategorii Band of the Year. Album Kéž bouře by přišla vydala 24. října 2016 s akordeonistou Aliaksandrem Yasinskim a kytaristou Michaelem Vašíčkem.

Projekt „Marešová Yasinski Vašíček“ založila v roce 2014. Po čtyřech letech se trio rozrostlo o violistu Ilju Chernoklinova, bubeníka Radka Doležala a změnilo název na „Marešová Yasinski RAZAM“. V roce 2016 se stala zpěvačkou skupiny Precedens Martina Němce, dále hostovala se skupinami Blue Effect Radima Hladíka nebo Čechomor. Spolupracovala s Michalem Pavlíčkem, Jiřím Škorpíkem, Oskarem Petrem či kytaristou Davida Bowieho Gerrym Leonardem.

Na scéně Divadla Ta Fantastika účinkovala v titulních rolích Pavlíčkových muzikálů Excalibur jako Ginnevra a Obraz Doriana Graye postavou Dorianovy matky, Ještěrky a Operní divy, dále pak jako Markéta v Dámě s kaméliemi. Účinkovala také v muzikálu Václava Bárty a Jiřího Pokorného Němcová!. Působila v divadle Hybernia, kde ztvárnila titulní role v muzikálech Lucrezia Borgia (Lucrezia) autorů Petra Maláska, Libora Vaculíka a Václava Kopty, Antoinetta – královna Francie (Antoinetta) od Jiřího Škorpíka, Jiřího Hubače a Pavla Vrby, Romeo a Julie (Chůva) Gérarda Presgurvica a Jana Fischera a do konce roku 2019 účinkovala též v muzikálu Mefisto (Laurécie Bosetti) Daniela Bartáka, Zdeňka Zelenky a Borise Pralovszkého. V divadle JK Tyla v Plzni hrála v představení Freddie the king of Queen (Slečna KDO) Petra Maláska a Libora Vaculíka. Od ledna 2017 představuje hlavní roli v muzikálu Ondřeje Soukupa a Gabriely OsvaldovéJohanka z Arku (Johanka z Arku) v divadle Kalich. Do konce roku 2019 účinkovala též jako královna Anna v divadle Broadway v představení Muž se železnou maskou.

Muzikálovou scénu se v roce 2019 rozhodla opustit, vyjma role Johanky z Arku v divadle Kalich, a věnuje se vlastním projektům v oblasti hudby a performance. V koncertním projektu The Greatest Show v divadle Hybernia vystupuje s písní Never enough a rovněž se v něm zhostila pěveckého nastudování jako členka tvůrčího týmu.

 

Iva Marešová, zpěv

Aliaksandr Yasinski, akordeon

Michael Vašíček, kytary, basa

Ilia Chernoklinov, viola, klavír

Radek Doležal, bicí, perkuse, klavír

Petr Janeček, zvuk

 

KIMMO POHJONEN / SKIN ^{/ FIN}

14. SRPEN | ZÁMEK

 

Finský hudebník Kimmo Pohjonen je živým důkazem, že slova „harmonika“ a „nespoutaná“ patří do stejné věty. Může se to zdát oxymorónem, zejména ve Spojených státech, kterým se možná tento nástroj jeví jen jako prokletí jejich pohodového dětství, ale Pohjonen nám připomíná bohatou lidovou historii nástroje, a co je důležitější, inovační potenciál. Za tímto účelem vybavil svůj akordeon jako hudební nástroj par excellence, takový, který hovoří stejně plynule elektrickými i akustickými jazyky. Sensitive Skin, nahrané v domácím studiu, je vyvrcholením mnoha pramenů, které procházejí jeho předchozím albem. Od klasické hudby po pop, od jazzu po filmové partitury, pro každého posluchače je něco, do čeho se může zakousnout.

Použití elektronických efektů, které mimo jiné Kimmo řídí pomocí harmoniky, kterou pro ně vytvořil, se stalo nedílnou součástí jeho kompozic. Pro své album "Sensitive Skin" vytvořil plán: Jeho písně by měly znít harmoničtěji a klidněji - hudba pro uvolněné nedělní ráno, které odstraní všechny starosti. Po jeho boku stáli hudebníci jako Kronos Quartet a jeho dvě dcery. Festivalové publikum potěší v živé realizaci se svými dcerami Inkou a Saanou Pohjonen. Přestože jsou na jevišti „pouze“ tři muzikanti, můžete se těšit na úchvatné bohatství zvuku - protože díky akordeonům a dalším elektronickým zařízením může Kimmo Pohjonen Skin používat také zvuky Kronos Quartet & Co.

 

Kimmo Pohjonen, akordeon, elektronika, hlas
Inka Pohjonen, kytara, elektronika, vokály
Saana Pohjonen, bicí, vokály

 

CHECK ACCORDION TRIO ^{/ CZE}

15. SRPEN | KOSTEL

 

Hlavním cílem Markéty Laštovičkové, Marie Čejnové a Michala Karbana je ukázat akordeon ve všech možných polohách a hudebních žánrech. Zaměřují se především na klasickou hudbu, ale v repertoáru nalezneme i moderní akordeonovou literaturu, balkánskou hudbu, argentinská tanga či minimalistické skladby.

Toto trio vzniklo v roce 2017 a již za tak krátkou dobu si vydobylo uznání jak v rámci široké, tak i odborné veřejnosti v České republice i v Dánsku, především díky velmi rozmanitému repertoáru.

 

Markéta Laštovičková je v akoreonovém světě velmi známou osobou, nejen jako vynikající hráčka ale v poslední době stále častěji její jméno figuruje jako autorka mnoha skladeb nejen pro akordeon. Pro Check Accordion Trio složila skladbu ‚Simply happy‘ (=Prostě šťastní).

Je laureátkou mnoha národních a mezinárodních soutěží – Rusko, Portugalsko, Chorvatsko, Itálie… a zatím jejím největším úspěchem byl sólový recitál v rámci mezinárodního festivalu Pražské jaro 2018.

S pomocí kolegů z tria Markéta vydala svoji prvotní publikaci s názvem ‚Simply happy.‘ Obsahuje skladby v různých obtížnostních kategorií od skladbiček pro malé akordeonisty až po koncertní skladby pro starší žáky.

Co Markéta říká o hraní v triu?

“Hraní v triu mi přináší velký odpočinek od dnešního velmi uspěchaného světa. Je to čas, který můžu strávit společně s lidmi, které mám ráda.”

 

Marie Čejnová má dvě vášně, tou první je hudba a druhou cestování a pokud se jí obě věci podaří skloubit, vznikne z toho například hraní pro děti v Indii.  

Je laureátkou mnoho soutěží jak národních, tak mezinárodních – USA, Korea, Německo… a za vzornou reprezentaci města Plzně byla oceněna cenou Plzeňský Orfeus a v rámci této ceny si zahrála s Plzeňskou filharmonií výběr z Trojanových Pohádek.

Proč Marie ráda hraje s triem?

“Díky hraní v našem triu jsem se naučila spoustu hudebních dovedností. Stal se ze mě týmový hráč, který nekope pouze za sebe, ale také za kamarády, kteří mě podporují, motivují a já jsem ráda, že je mám.”

 

Michal Karban je především spjat se značkou akordeonů Pigini, pro které je v České republice výhradním distributorem.  Zahrál si například v talentové soutěži Česko Slovensko má talent či na soutěži v americkém Seattlu, odkud spolu s Marií přivezli ne jedno první místo.

Co Michalovi přináší hraní v triu?

“Hraní v Check akordeon Triu pro mě znamená sdílení. Sdílení radosti, hudby, koncertů s přáteli, se kterými je mi dobře. Naše Trio mi přináší možnost hrát netradiční hudbu pro publikum a ukazovat tak velké možnosti akordeonu.”

 

Markéta Laštovičková, akordeon

Marie Čejnová, akordeon

Michal Karban, akordeon

 

ELIŠKA SÝKOROVÁ ^{/ CZE}

15. SRPEN | ZVONICE

 

Poetická písničkářka s klavírem a akordeonem. Milovnice cizích, ba i exotických jazyků (vystudovala francouzštinu a indologii). Texty písní spřádá nejčastěji v mateřštině, avšak...

Písně o cestách do daleka i do sebe

Část mých písní vzniká na cestách, kde je čas a příhodné klima pro vnímání nových námětů a podnětů. Poznávání cizí krajiny a lidí láká ke zpracování nových zkušeností. A pro mě byla vždycky nejpřímější cestou k zrcadlení toho, co zažívám, právě píseň. Ať už je to pobrukování písniček, co jsem někde slyšela, nebo těch, co si sama napíšu.

Když mě právě neinspiruje dálka, protože jsem doma v běhu všedních dní, vyplouvají na povrch témata odehrávající se uvnitř. Často si broukám a většinou o tom ani nevím. Ozvučuju si přítomnost – tak by se dala popsat kratochvíle, která se mě drží už od dětství. A když se mi povede soustředit pozornost a dát procesu potřebný čas, někdy vznikne i píseň. Pokud ta zachycená nálada osloví i někoho dalšího, je to pro mě velká radost.

 

Eliška vystupuje nejčastěji sólově na menších klubových scénách. Pravidelně se objevuje také na festivalech (Boskovice, Cool V Plotě - multižánrový festival jednoho umělce v Písku, Festival osamělých písničkářů). V roce 2018 vystoupila na Přehlídce písničkářských osobností v klubu Kaštan v Praze, pořádané kolektivem hudebníků a hudebních publicistů (Jan Burian, Petr Linhart, Petr Váša, Anna Mašátová, Antonín Kocábek). V létě 2017 se vydala spolu s písničkářem Janem Řepkou na desetidenní Slovenskou cyklotúru, kdy si oba muzikanti vezli přímo na kole všechno své vybavení a cestou ze Štrby do Košic odehráli celkem pět koncertů. Jízdu zakončili vystoupením na festivalu Igrici na ulici v Košicích.

Vydala alba Vlaštovky (2013) a Stínohra (2018).

Kromě autorské tvorby zpívá i francouzský šanson s triem Chouette [šuet] a působí v komorním sboru Subito..

 

 

DANIEL MILLE QUARTET ^{/ CHE, FRA}

15. SRPEN | ZÁMEK

 

Po devíti albech, mnoha oceněních, prestižní spolupráci, Daniel Mille poprvé věnuje kompletní opus jinému skladateli a to Astorovi Piazzollovi.

Astor Piazzolla překračuje hranice argentinského tanga, aby nám předal významné  a nadčasové dílo. Daniel Mille nás nutí znovuobjevit celou lidskost této hudby, a to jak odborně tak i populárně, v instrumentaci a aranžmá Samuela Strouka  se mísí smyslnost strun dlouholetého doprovodného violoncellista Grégoire Korniluka s violoncellisty Paulem Kolumbem a Michèlem Pierrem a slavným jazzovým baskytaristou Diegem Imbertem.

Na rozdíl od planetární skladby pro trubku Libertango popularizované Grace Jones, dílo je převážně půltónové, beztížné, s atmosférickým rozpoložením. Daniel Mille upřednostňuje malátné milongy před rychlostí tanga. Jejich album «Cierra tus ojos» (hudba Sony) je k dispozici po celém světě

 

Akordeonista Daniel Mille, narozený v Grenoblu v roce 1958, jde cestou, která ho přivedla z Národní konzervatoře na Ecole Normale de Musique. Hudebník, otevřený všem trendům, doprovází umělce z různých žánrů, jako je Barbara, Jacques Higelin, Maurane nebo Salif Keïta, Lokua Kanza, Richard Bona nebo Nina Hagen. V roce 1993 získalo jeho první album Sur Les Quais ocenění Django d'or za nejlepší první jazzové album. Daniel Mille začal být okamžitě uznáván jako vedoucí sólista, a to díky následujícím albům: Les Heures Tranquilles z roku 1995 a Le Funambule z roku 1999. Ve stejném roce složil hudbu a hrál ve hře La Valse des adieux od Louise Aragona. V návaznosti nadlaší spolupráci s divadlem (Apollinaire v roce 2004) vydal alba Entre Chien et Loup (2001) a Après La Pluie (2005) u Universal Music Jazz. V roce 2006 získal Daniel Mille ocenění Victoire du jazz za nejlepšího instrumentalistu a v roce 2009 získal jeho opus L'Attente nejlepší ohlasy. Daniel Mille v roce 2011 spolupracoval s Jean-Louisem Trintignantem a violoncellistou Grégoireem Kornilukem na albu Vian Desnos Prévert, složené z básní na hudbu. Opravdový hudební badatel Daniel Mille v roce 2014 spolupracoval s Dorsafou Hamdani na albu Barbary – Fairouz, které vzdává hold těmto dvěma skvělým ženským hlasům z různých kultur. Ve věku 17 let objevil „Years of Solitude“, album Picassa argentinské hudby Astora Piazzolli a s elegancí vystoupoval spolu s mistrem barytonu Gerryho Mulligana. O mnoho desetiletí později Daniel Mille konečně zasvětil opus Astorovi Piazzolovi „Cierra tus Ojos“ - (zavřete oči) - se speciálním výběrem nástrojů, akordeonem, třemi violoncelly a kontrabasem. Díky aranžmá Samuela Strouka vzdává Daniel Mille skvělý hold lyricismu a skladbám Astora Piazzolly.

 

Violoncellista Grégoire Korniluk se narodil v Douai ve Francii v roce 1981. Hudební studia začal ve věku 5 let s klavírem a první lekce violoncella začal navštěvovat ve věku 7 let

na Národní konzervatoř Douai. V roce 1997 nastoupil Grégoire Korniluk na Pařížskou konzervatoř National de Musique do třídy Philippa Mullera na čtyřleté stipendium; v roce 2001 získal 1. cenu ve hře na violoncello a komorní hudbě (smyčcové kvarteto).

Od roku 1993 vyhrál a získal ocenění v několika národních a mezinárodních violoncellových soutěží, jako jsou Wattrelos v letech 1993 a 1996, Macon v roce 1998, Perpignan v roce 1999, Varsovia v roce 2001, Záhřeb v roce 2002. Zúčastnil se také mnoha mistrovských kurzů se slavnými violoncellisty, jako je Alexander Boyarski. v Londýně Peter Whispelwey v Bruselu, Natalia Chakovskaya a Xavier Gagnepain v Paříži, Norman Fisher a Timothy Eddy v Bostonu a New Yorku, Arto Noras a Raphael Sommer v Prades. Kariéra Grégoire Korniluk ho přivedl k angažmá jako sólista ve Francii, Belgii, České republice, Polsku a USA a pozvání na festivaly komorní hudby jako Cobham (UK), South Hadley (USA), Cordes sur ciel (Francie),… Souběžně se svoji kariérou pravidelně hrál s pařížským operním orchestrem, Orchester National de France, ředitelem Orchester National de Bordeaux. V roce 2003 byl vybrán dirigentem Christophem Von Dohnanyim, který ho pozval, aby se stal šéfem Symfonického orchestru NDR v Hamburku. Vášeň pro moderní hudbu G. Korniluka přivedla k vývoji a studiu nového přístupu k akustickým i elektrickým violoncellům a hudební kompozici. V roce 2002 ho finská violoncellová skupina Apocalyptica pozvala na hostování na jejich albu« Reflections». Byl také pozván k vystoupení s osobnostmi jakými byli Marianne Faithfull (pro kterou hrál a složil 22 krátkých sólových skladeb), herci Jean-Louis Trintignant a Anouk Grinberg, akordeonista Daniel Mille, houslista Sarah Nemtanu,… Grégoire Korniluk se  pravidelně účastní nahrávek zvukových stop filmů jako sólista a aranžér se skladateli, jako např. Armand Amar a Ibrahim Maalouf (Human, Home, první výkřik, několik filmů na pobřeží Costa Gavras,…).

 

Violoncellistka Michèle Pierre, která získala ocenění od Conservatoire National Supérieur de Paris, sklízí úspěchy s celou řadou projektů a upřednostňuje malé skupiny před velkými. Její první album, vydané v roce 2018 s kytaristou Armenem Doneyanem bylo kritiky vřele přijato. V roce 2012 založila s kytaristou Armenem Doneyanem Duo Solea. Oba získali několik prvních cen a veřejných cen v soutěžích komorní hudby (Fnapec, Bellan, Rabastens). Vystupují na mnoha festivalech a rozhlasových přenosech (Génération France Musique, Classic Club on France Musique).

Společně organizují a podporují umělecké směřování festivalu La Semaine Classique du Lavoir v Lavoir Moderne Parisien, v krásném divadle v Paříži, v duchu přátelství a otevřenosti vůči jiným hudebním stylům. Michèle je součástí lyrické tvůrčí společnosti Miroirs Etendus, tři roky a vystupovala v několika projektech, počínaje současnou operou až po revize již existujícího repertoáru ve Francii (opery Rouen a Lille, Imperial Theatre of Compiègne), v Německu (Berghaim) Berlín) a v Irsku. Hrála v několika velkých souborech: jako sólová hráčka na violoncello v Orchestra des Lauréats tři roky, v Dissonancích, v Orchestru Davida Grimaal bez dirigenta a je součástí François Salque Orchester de violoncelles. Eklektická violoncellistka, Michèle se ráda ponoří do velmi odlišných vesmírů. Vystudovala jazz v jazzové škole Jupo v Le Havru v Normandii. Je součástí několika světových hudebních skupin jazzu a improvizace, zejména argentinského tangového tria Roberta Roman Trio, projektu Odyssey vedeného Fredem Pallem a Le Sacre du Tympan, skupiny, která vyhrála v roce 2019 „skupinu roku“ na udílení cen Victoire du Jazz.

Projekt Duo Brady, jehož základ byl položen v roce 2011 violoncellistou Paulem Colombem, kombinuje improvizaci a osobní skladby inspirované hudbou z Indie, Orientu a Dálného severu. Michele také komponuje pro violoncello: v poslední době vytvořila hudbu dvou divadelních děl: „L’Ame offerte“ Joëla Zaffarana“ pro violoncello a elektroniku a „Encore combien d'étoiles“? pro dvě violoncella s Paulem Colombem.

 

Za posledních několik let patří kontrabasista Diego Imbert mezi nejžádanější francouzské hráče na basu. Díky mnoha koncertům, které za posledních dvacet let uskutečnil, získal hluboké porozumění jevištního výkonu. Tento všestranný přehrávač na basu hraje se stejnou lehkostí rozmanité styly, jako je cikánský jazz a jazz moderní, ale také v latinská hudba, pop nebo dokonce klasická a soudobá hudba. Jeho rozmanité hudební zkušenosti mu umožnily rozvíjet svůj vlastní hlas integrací a syntetizací všech těchto vlivů. Od roku 1998 do roku 2016 hrál s „Cikánským projektem“ Bireli Lagrene a nyní pravidelně hraje s Andreem Ceccarellim, Philipem Catherine, Enricem Pieranunzim a Sylvainem Beufem. Navíc je možné ho slyšet hrát s hudebníky, jako jsou: Archie Shepp, Alex Tassel, Antonio Farao, Sara Lazarus, Jean-Michel Pilc, Franck Agulhon, Flavio Boltro, Pierre de Bethmann, Guillaume de Chassy, Aldo Romano, Rosario Giuliani, Franck Avitabile, Stephane Huchard, Alain Jean-Marie, Sylvain Luc, Michael Felberbaum, Olivier Ker Ourio, Baptiste Trotignon, Elisabeth Kontomanou ...

Vede své vlastní kvarteto od roku 2008 (s Davidem El-Malek-Saxem, Alexem Tassel-Fluegelhornem a Franckem Agulhon-Drumsem), nahrál tři CD s touto vynikající kapelou „A l'ombre du saule pleureur“ (2009),« Next Move »(2011) a« Colors »(2015). Hudební orientace, se kterou tato skupina experimentovala od roku 2008 při mnoha koncertech, vedla Diego Imberta k napsání nového repertoáru, ve kterém interakce, reaktivita a melodie jsou středem kolektivního diskurzu. Na Diegovu skladatelskou činnost má hlavní vliv Wayne Shorter a Dave Holland. Minulý rok vydal CD„Tribute to Charlie Haden“, ve kterém vystupují Enrico Pieranunzi a Andre Ceccarelli, kteří byli nominováni na cenu Jazz Awards (Victoires du Jazz 2018). Vede také duet s kytaristou Michelem Perezem a v roce 2013 vydali své první CD s názvem „Double Entente“. A co víc, napsal klasický současný koncert pro kontrabas, klarinet a smyčcové kvarteto.

Je členem několika uskupení, jako je Daniel Mille Quintet« Pocta Astorovi Piazzollovi Cierrovi Ojosovi », 7 000 mil s André Ceccarellim, David Linx a Pierre-Alain Goualch, Trio Anny Duros s Adrien Moignard, Enrico Pieranunzi Trio, Hono Winterstein a mnoho dalších. Vyučuje jazz, vyučuje na Konzervatoři Troyes, Institutu hudební akademie (MAI) v Nancy a v Centru hudebních didierů Lockwood (CMDL). Pro posledně jmenované vedl kurzy, workshopy, semináře, mistrovské kurzy a letní výcvikové kurzy.

 

Daniel Mille, akordeon
Grégoire Korniluk, violoncello

Michèle Pierre, violoncello
Diego Imbert, kontrabas

 

ONDŘEJ ZÁMEČNÍK QUINTET ^{/ CZE}

15. SRPEN | ZÁMEK

 

Kapela Ondřej Zámečník Quintet se poprvé veřejně představila v roce 2018 v brněnském divadle Barka. Od té doby vystoupila na několika koncertech v ČR zahraničí. Hledá různé přístupy k jazzové hudbě a díky neobvyklé instrumentální kombinaci má vlastní osobitý zvuk, který nabízí širokou škálu možností. Autorské kompozice kapely jsou energické, nástrojově rozmanité, někdy až naivně melancholické a založené na nejpřirozenějším jazzovém myšlení. Jedná se zde o moderní pohled na soudobou improvizovanou hudbu (mainstream) v docela netradičním instrumentálním uskupení: akordeon, saxofon, kytara, kontrabas, bicí.

Členové kapely čerpají ze svých bohatých studijních zkušeností jak z České republiky a Slovenska, tak i ze zahraničí (studijní pobyty v Polsku, Švédsku, Anglii, Itálii, USA, Portugalsku). 

Ondřej Zámečník, akordeon

Adam Sikora, bicí

Vít Beneš, elektrická kytara

Vladimir Micenko, kontrabas

COSCIA  & TROVESI / ITA

15. SRPEN | ZÁMEK

 

Gianni Coscia, narozený v Alessandrii - také v Ecově rodném městě - byl právníkem po mnoho let a tato práce odsunula hudbu do pozadí. I v tomto období však hrál s hostujícími americkými hudebníky včetně Joe Venutiho, Buda Freemana a sira Charlese Thompsona. V roce 1985 vydal široce uznávané album L'altra fisharmonica, které předvedlo jeho akordeon v kombinaci se smyčcovým kvartetem a prozkoumalo variace na italská populární témata. La Briscola, nahrávka z roku 1989, signalizovala shledání s Trovesim, který od té doby spolupracoval s akordeonistou v mnoha projektech. Coscia vystoupoval s Big Bandem Giorgia Gasliniho a spolupracoval s orchestry hrajícími hudbu Kurta Weilla a Astora Piazzolly. Cestoval po světě jako doprovod zpěvačky Milva, dále spolupracoval s Giocondou Cilio, Mariou Pia De Vito a Lucii Minetti. Spolupracoval také s Enricem Ravou, Pinem Minafrou, Paolem Damianim a dalšími italskými improvizátory a se skladatelem Lucianem Beriem, který věnoval Giannimi Cosciovi svoji Sequenza XIII.

“La misteriosa musica della Regina Loana” (název alba navrhl Stefano Eco) byl natočen v Night and Day Studio v Casinagrosse a smíchán v Luganu. CD booklet obsahuje notový záznam od Gianni Coscii (v italštině, angličtině a němčině), kresby od Umberta Eca a studiové fotografie Roberta Cifarelliho.

 

Gianluigi Trovesi se narodil v roce 1944 ve vesnici Nembro v severní Itálii a studoval na konzervatoři v Bergamu, kde získal v roce 1966 diplom v klarinetu. Poslech Erica Dolphyho hrajícího na milánském festivalu v roce 1964 byl významný zážitek, ale Trovesiho zájem a vlivy obejmuly prakticky každý druh hudby, od italského lidu po jazzovou avantgardu. V roce 1978 pracoval jako první alt saxofon a klarinet v Milánském rádiu Big Band, na pozici, kterou zastával až do roku 1993.

Na ECM dorazil v roce 1994, jeho altový saxofon a klarinety zazněly v Skies of Europe provedené italským Instabile Orchestra. Duo se starým přítelem Gianniem Coscíou mělo okamžitý účinek v podobě nahrávky “In cerca di cibo”, záznamu plného kousavého humoru, improvizovaného vtipu, nenápadné nostalgie a výjimečného hudebního stylu, který se lehce pohyboval mezi jazzovou, komorní hudbou, lidovou hudbou a filmovými melodiemi, s židovským nádechem.

Mezi další projekty Trovesiho v ECM patří “Vaghissimo Ritratto”, na kterém vystupuje s Umbertem Petrinem (klavír) a Fulviem Marasem (bicí, elektronika), který prohlašuje irské časy za „improvizovanou komorní hudbu ohromující kvality a dobrodružství, melodickou milost a rytmickou svobodu“ a “Fugace”, nekontrolovatelné dobrodružství italských oktetů poskakující mezi žánry. Na album “Trovesi All'Opera - Profumo di Violetta” je slyšet typicky nepředvídatelný Trovesi který italskou operou hraje, jak napsal Ivan Hewitt v Daily Telegraph,  jako„turbo-nabitou verzi tradiční italské městské kapely“.

 

«Není nic svůdnějšího než lstivost, když se skromně maskuje jako bezmocnost. A zejména když vytváří, při každé nové citaci nebo vynálezu, oslava zabarvení tónu, který je schopen přirozeně dostat maximum možného z nástrojů. Toto je jeden způsob, jak přidat do kultivované hudby populární dimenzi a kultivovanou dimenzi k populární hudbě. Není tedy třeba se divit, do kterého chrámu bychom měli umístit hudbu Coscie a Trovesi. Na rohu ulice nebo v koncertní síni by se cítili jako doma. / Umberto Eco*

 

*Pozdní romanopisec a renesanční člověk Umberto Eco (1932-2016) byl celoživotním přítelem akordeonisty Gianni Coscie a horlivým fanouškem dua Trovesi-Coscia. Autor Jména růže a Foucoultova kyvadla napsal noty k nahrávce pro každé z předchozích alb tohoto dua na labelu ECM: In cerca di cibo (natočeno 1999), Round About Weill (2004) a Frère Jacques: Round About Offenbach (2009).

 

***

«V aktuální nahrávce Gianluigi Trovesi a Gianni Coscia vzdávají hold jejich význačnému příteli. Ecův částečně autobiografický román La misteriosa fiamma della regina Loana (Tajemný plamen královny Loany) je také meditací o povaze paměti a inspiruje Trovesiho a Cosciu k jejich vlastní nostalgické a průzkumné cestě, odkazující na hudbu zmíněnou v knize a volně navazující na její filozofická témata. Jako vždy, Italové vytvořili hustou síť. Hrají písničky spojené s Louisem Armstrongem („Basin Street Blues“), Glennem Millerem („Moonlight Serenade“) a Georgme Formbym („Je to ve vzduchu“, citováno ve „Volando“). Parafrázují Janáčkovu V mlhách ( mlha je v Ecově románu opakujícím se tématem) a ponořují se do filmové hudby (z Cassablancy „As Time Goes By“ k „Bel Ami“ ze stejnojmenného německého filmu). A samozřejmě, oba hudebníci improvizují, nejkreativněji zatímco udržují své posluchače v pozoru.

 

«Gianni Coscia: „Snažili jsme se vrátit k některým z nesčetných hudebních narážek této knihy, jak nejlépe jsme dokázali a bez nároků na úplnost. V některých případech jsme také vložili několik věcí, které autor určitě měl na mysli, ale nevyjádřil se výslovně.

 

«Album začíná „Interludiem“, což je dílo, na kterém Umberto Eco a Gianni Coscia spolupracovali před více než 70 lety - když Cosciovi bylo 14 a Ecovi 13. Hudba inspirovala mladého Ecca k psaní doprovodného verše vztahujícího se k dané práci: “… Hudebník, pohlcený a nakloněný / Odhalení nových světů ticha / Něžné inkarnace fantasmů ve zvuku / Zmizet, opatrně, do paměti. “(Eco byl sám amatérským hudebníkem, hrál na trubku, violoncello a rekordér.)

„Basin Street Blues“ je mezi dalšími zvláště potěšující. Louis Armstrong, nahraný v roce 1928, je pro Cosciu a Trovesi „symbolem počátků jazzu a naším hudebním záměrem je zdůraznit oslnivý objev umění, které bylo na této straně Atlantiku veskrze neznámé, pokud ne zakázané“.

 

«V eklektickém zvukovém světě Gianluigiho a Gianniho Eco řekl: „Setkání zdánlivě neslučitelných tradic vyzařuje duchové neexistujících hudebních rodin.“ Při použití nějakého ironického škatulkování mohou takové „rodiny“ zahrnovat i italské vlastenecké písně z druhé světové války, jako je „Inno dei sommergibili“ („The Submariner's Song“), jejichž propagandistické texty mluvily o „statečném smíchu námořníka tváří v tvář Lady Death “- také součástí soundtracku minulého století. Eco ve své knize Queen Loana uvádí, že italské rádio začátkem čtyřicátých let „vypadalo, jako by život běžel na dvou různých tratích: na jedné byly válečné bulletiny, na druhé, nekonečné lekce optimismu a veselosti, které naše orchestry nabízely v takovém nadbytku. “

 

«Při zkoumání těchto hudebních vzpomínek duo Trovesi-Coscia také kreslí obrázek doby. Ale postupují take hlouběji jejich „mimo kontextovou poctou“. Dva díly, které se zde nazývají „Umberto“ a „Eco“, jsou podle Coscie „improvizovaným polyfonickým výsledkem Trovesiho gematrie na příjmení Eco a jméno Umberto“.

 

Gianni Coscia, akordeon

Gianluigi Trovesi, klarinet

 

MARET & CASTANEDA  ^{/ CHE, COL}

15. SRPEN  | ZÁMEK

Grégoire Maret - rodák ze švýcarské Ženevy se po dokončení prestižní Conservatoire Supérieur de Musique de Genève přestěhoval do New Yorku, kde studoval na New School University. Během několika let se propracoval mezi absolutně nejvyhledávanější hráče na světě a v současné době bývá přirovnáván k takovým legendám jako je Toots Thielemans nebo Stevie Wonder. O jeho kvalitách svědčí řada velkých jmen, se kterými spolupracoval - např. Youssn'Dour, Meshell Ndegeocello, Pete Seeger, David Sanborn, George Benson, Cassandra Wilson, Herbie Hancock, Pat Metheny, nebo popoví Elton John či Sting. V roce 2005 byl spoludržitelem Grammy za album The Way Up, které natočil s Patem Methenym. Ve stejném roce také vyhrál ocenění jako nejlepší hráč roku a poté absolvoval několik turné s basistou Marcusem Millerem, pianistou Herbie Hancockem nebo Federico Gonzaleem Penou či bubeníkem Genem Lakem. Teprve v roce 2012 vydal své první autorské album jako leader. Přizval si pozoruhodné hosty jako je Cassandra Wilson, Gretchen Parlato, Marcus Miller, Raul Midón a také svůj velký vzor - samotného Tootse Thielemanse.

 

Edmar Castañeda je virtuózní harfenista, narozený v r. 1978 v hlavním městě Kolumbie, Bogotě. Syn hudebníka a matky, která podporovala Edmarovo zjevné nadání, přijal vznešené folklorní tradice své rodné Kolumbie. Joropo taneční třídy, které navštěvoval se svou sestrou, byly mistrovskou školou pohybu, doprovázeného harfou. Edmar začal hrát na harfu v 13 letech. V polovině 90. let se přestěhoval do New Yorku, kde vzal světovou scénu útokem. Hraje své vlastní skladby, s průniky do původní hudby Kolumbie a Venezuely. Svou virtuozitou a pojetím harfy jako hudebního nástroje, pro který objevil v jazzu dosud nepoznanou roli, způsobil převrat u posluchačů i kritiků. Např. legendární Paquito D'Rivera, Edmarův častý spoluhráč, ho považuje za obrovský talent. Díky všestrannosti a okouzlujícímu charismatu dostal harfu do popředí a stal se jedním z nejoriginálnějších hudebníků v New Yorku. Vedle Paquita D'Rivera vystupuje s hudebníky jako je Simon Diaz, Lila Downs, Giovanni Hidalgo, Joe Locke, Wynton Marsalis, John Patitucci, Janis Siegel, John Scofield, John Torres, Hiromi Uehara a nebo s orchestrem Organizace spojených národů.

Spolu s francouzským výrobcem „Camac Harps“ Edmar Castaneda vyvinul nový nástroj. „E C Llanera“ je nejmodernější verze tradiční harfy „llanera“ z Kolumbie a Venezuely. Vedle mnoha strukturálních vylepšení je to také první „llanera harfa“ s pákami. To zvyšuje potenciál nástroje pro chromatismus a otevírá nový hudební potenciál pro nástroj a latinskoamerickou hudbu.

 

Na festivalu Dobršská brána představí svůj projekt Harp Vs. Harp.

 

«Kolumbijec hraje na harfu jako nikdo jiný na světě. Jeho ruce, zdánlivě poháněné dvěma různými lidmi, vytvářejí zcela jedinečnou, symfonickou plnost zvuku, rychlý ohnivý akord, rovnováhu melodických postav a euforickou jízdu … / Frankfurter Allgemeine Zeitung

 

«Grégoire je výjimečný hudebník, který posouvá harmoniku na vzrušující nové místo v jazzu. / Pat Metheny

«To, co Edmar dokáže s harfou, je hluboké, neuvěřitelné a inspirativní.  / Marcus Miller

 

Grégoire Maret, foukací harmonika

Edmar Castañeda, harfa

NA VĚCNOST ^{/ CZ}

15. SRPEN -  12. ZÁŘÍ | GALERIE CO CO

 

MARIE BLABOLILOVÁ | EVA ČERVENÁ | JONÁŠ CZESANÝ | VLADIMÍR VÉLA

Výstava představí čtyři umělce, na české výtvarné scéně uznávané osobnosti. Jejich rozdílné přístupy nacházejí společný průsečík - ve věcnosti. Psáno bez háčku, ve smyslu předmětnosti. Zobrazovaná témata se u všech odvíjejí od setkání s obyčejnou věcí, předmětem. Odtud se odvíjí tvůrčí proces svým způsobem existenciálního uvažování, vedoucí k obrazu.

 

Kurátorka výstavy Lucie Šiklová

 

Marie Blabolilová (1948), grafička a malířka je na domácí výtvarné scéně skutečná osobnost. Její doménou je grafika a práce na linoleu. Ikonografický repertoár se sestává z obyčejných věcí, často jaksi na okraji, a společenstvími, jak sama říká, chudáků. Lidskou figuru pro skepsi ze směru, kam se člověk ubírá, opustila. Její věcnost je civilní a lidsky sdělná.

 

Eva Červená (1987) působí jako odborná asistentka na pražské AVU. Tato excelentní grafička a malířka inspiračně vychází také od obyčejných předmětů, a její existenciální zátiší se současným výtvarným jazykem dotýkají skutečností mimo čas.

 

Jonáš Czesaný (1972) svoji osobitě expresivní a zároveň intelektuální malbu zakládá na melancholické notě poetiky jinotaje. Jeho obrazy se odvíjejí od škály především opět civilistních témat, na něž zaměřuje své pomyslné zvětšovací sklo, skrze které si prohlíží a, mnohdy ironicky, reflektuje.

 

Vladimír Véla (1980) směřuje k expresivní, vizuálně silné, a ač abstraktní, paradoxně stále předmětnosti. Námětově vychází z konkrétních, často zprvu obyčejných situací a předmětů, které během malování dovede až k jejich subtilnímu obsahu. Na dřeň, na esenci.

Ztišené, usebrané společenství těchto čtyřech autorů tak zaklene oblouk mezi společnou věcností a věčností. S háčkem.